LEEAHN Gallery is pleased to present Frank Stella’s solo exhibition, “FRANK STELLA: RECENT SCULPTURE.” This exhibition is composed of the artist’s recent series, “Bali Pieces” (2003-2009) and “Scarlatti Sonata Kirkpatrick” (2006- ). All works from both series are substantially different from the early sculptures and they show the artist’s new achievement with technical innovation and artistic reinvention.

“Black Painting,” Frank Stella’s most representative series, emphasized the flatness of canvas and induced the viewer’s awareness of painting as a two dimensional surface filled with black paint. Up to the mid-1960s, the “Black Painting” worked as a very important catalyst for the 1960s’ minimalist artists in the process of art-making. During the 1970’s, Stella focused more on in-depth studies that dismantled illusionism. In the mid-1980’s, the painterly reliefs, in which the painting protruded into the three dimensions, boldly expanded their range of size and color, and were finally shaped into full sculptural qualities. Over time, Stella’s constant experimentation provided a distinctive way of creating a monumental work which physically and visually overwhelmed the viewer’s space, and his works have been installed not only in public area but also in architectural space. As America’s most important artist since the 1950’s with his relentless passion and experimentation in art, Frank Stella had made himself an iconic figure.

LEEAHN Gallery will feature 13 works from two series created from 2006 to 2014. Focusing on the two series, “Bali Pieces” (2003 – 2009) and “Scarlatti Sonata Kirkpatrick” (2006-), it presents Stella’s own artistic practices and experiments in abstract painting and sculpture.

In the body of “Bali Pieces,” Stella named the pieces with titles such as “ngereka,” “oekoen” and “pepatih,” these unfamiliar words originated from Margaret Mead’s and Gregory Bateson’s anthropology book, “Balinese Character: A Photographic Analysis,” which their writings and photographs jointly published in 1942. Not only were the titles of the works derived from Balinese, but the material component was also closely connected to the culture of Bali. Professor Franz-Joachim Verspohl once pointed out that in the sculptures of “Bali Pieces,” Stella’s experimentation with the linear pictorial element may have arisen from the character of bamboo. As bamboo was an indispensable symbol of the life and culture of Bali for Stella, he started applying it to his new works to present sculptural abstractness. Since then, the tubular forms of bamboo have been materialized by stainless or aluminum tubing, and the linear composition of the works has been remarkably highlighted.

As we can see through “ngereka” (2006) and “oekoen” (2006), diverse lengths and dimensions of stainless steel tubes construct three-dimensional pictorial forms by passing through carved foams elegantly, sometimes drastically. In the hanging sculptures, while vibrant movements of steel tubes make them look like a three-dimensional drawing, vividly colored abstract fragments inside of the sculptures look almost like paintings. As he described some of his early works had “more than two dimensions, but not quite three,” “Bali Pieces,” which emerge out of a wall into outer space, has referred to his intrinsic approach and proves that each work mutually veers between painting, sculpture and sculpture.

In addition, through the latest series, “Scarlatti Sonata Kirkpatrick,” Stella has also set out his unique sculptural configuration. This series refers both to one of the most talented Italian composers Domenico Scarlatti (1685-1571), and to American musicologist Ralph Kirkpatrick (1911-1984), who first compiled the definitive chronological catalog of Scarlatti’s 555 keyboard sonatas over 12 years. The amazing auditory landscape that Scarlatti beautifully rendered along the piano keyboards has been a key source of inspiration for Stella. Like each of Scarlatti’s sonatas arranged in “K” numbers, the titles of Stella’s works are also configured in the same way, for example, as “K. 401” or “K.337.”

The most important factor in the series “Scarlatti Sonata K” might be that Frank Stella has actively drawn his artistic approach in terms of the physical visualization of the work’s relationship to Scarlatti’s music. In other words, each work is amplified with the variation of bright colors and energetic movements within the center of Stella’s own “abstractness,” to which the artists has been consistently adhered during the artist’s decades-long career. Moreover, the way of combining 3D-printed bodies with organically bended steel tubes leads the lightness, speed and movement of work itself. Although the each work of “Scarlatti Sonata K.” looks as though it is nearly floating or hardly adhering to the wall, similar to “Bali Pieces,” it reveals a constant relation to its surrounding. Through the work within space, viewers are naturally driven by a variety of forms and colors that appear in different perspectives, and they are invited to keep moving around and observing it. Stella says, “If you follow an edge of a given work visually, and follow it through quickly, you find the sense of rhythm and movement that you get in music.” Likewise, the series “Scarlatti Sonata K” delivers the comfortable and vibrant feelings that we usually find in listening to sonata.

About Artist
Frank Stella was born in 1936 in Malden, Massachusetts. After graduating from the Phillips Academy, he studied painting and art history at Princeton University. Stella was influenced by the art scene in New York during his visits; he moved to New York in 1958 after graduation. After he had his very first solo exhibition in Leo Castelli Gallery in New York in 1960, his works received wide attention not only in America but also worldwide. Right after his graduation, he was included in many important museum exhibitions including “Three Young American” (1959) at the Oberlin College Allen Memorial Art Museum, “Sixteen Americans” (1959-60) at the Museum of Modern Art, New York, “Geometric Abstraction” (1962) at the Whitney Museum of American Art and “The Shaped Canvas” (1964-65) at the Solomon R. Guggenheim Museum. After acquiring his reputation almost immediately, he had a retrospective exhibition at MoMA in 1970, when he was only 33, making him the youngest artist in the museum’s history to be so honored. Recently, the Whitney Museum of American Art, newly opened in Chelsea, has also staged its inaugural retrospective, “Frank Stella: A Retrospective.” Featuring his best known works along with works rarely seen from collections, this exhibition traces Frank Stella’s great career.

LEEHAN GALLERY
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리안갤러리는 세계적인 작가 프랭크 스텔라(Frank Stella, 1936~)의 개인전 “FRANK STELLA: RECENT SCULPTURE” 을 선보입니다. 이번 전시는 작가의 후기조각 시리즈인 〈발리 시리즈(Bali Pieces)〉(2003-2009)와 〈스카를라티 소나타 커크패트릭 (Scarlatti Sonata Kirkpatrick)〉(2006-) 작품들로 구성됩니다. 이들은 1970년대 말부터 계속된 무겁고 거대한 사이즈의 조각 작업들과는 확연히 구별됨으로써, 혁신적 기술과 미학적 표현법들로 전개된 작가의 새로운 행보를 보여줍니다.

 

  프랭크 스텔라를 대표하는 〈Black Painting〉은 캔버스의 평면성을 강조하고, 페인트로 뒤덮인 2차원 표면으로서의 회화에 대한 관람자의 인지를 유도합니다. 1960년대 중반까지 이어진 〈Black Painting〉은 1960년대 미니멀리즘(minimalism) 작가들의 작품 제작 방식에 많은 영향을 끼치는 매우 중요한 촉매제가 되었고, 1970년대 이후로 오면서 평면성과 끊임없이 고심해왔던 환영에 대한 연구를 조각을 통해 더욱 심도 있게 다가갔습니다. 평면에서 조각적 회화라고 불리는 3차원의 영역으로 돌출된 부조형식의 회화작품은 1980년대 중반에 이르러 작품의 규모와 색채의 범위를 더욱 과감하게 확장하였고 드디어 완전한 조각으로 변화하였습니다. 여기에서 한발 나아간 작가의 실험은 관람자의 물리적/시각적 영역을 압도하는 크기로도 제작되어 일상공간은 물론 건축적 공간으로까지 나아가게 되었습니다. 1950년대부터 가장 미국적인 작가이자 끊임없는 창작열정과 실험정신으로 새로운 시도와 형식의 문제에 정면으로 마주해 온 프랭크 스텔라는 현재까지 끊임없는 변화와 실험의 대명사로 우뚝 서 있는 작가입니다.

 

  리안갤러리에서는 2006년부터 2014년 사이 제작된 작품으로, 크게 두 개의 시리즈로 구성된 전시는 1층과 지하1층 전시장에 13점이 전시됩니다. 2003년부터 2009년 사이에 제작된 〈발리 시리즈〉와 2006년부터 현재까지 이어오고 있는 〈스카를라티 소나타 커크패트릭〉 시리즈로 프랭크 스텔라 특유의 새로운 추상회화와 조각에 대한 영역의 실험과 시도를 보여주고 있습니다.

 

  〈발리 시리즈〉는 “엔게레카(ngereka)”, “오에코엔(oekoen)”, “페파티(pepatih)” 등 모두 낯선 언어를 작품명으로 사용하고 있는데 이들은 1942년 미국의 문화인류학자 마가릿 미드(Margaret Mead)의 글과 그레고리 베이트슨(Gregory Bateson)의 사진으로 엮은 “Balinese Character: A Photographic Analysis” 에서 차용한 언어입니다. 특히 이 시리즈 작품들은 제목뿐만 아니라, 작품을 구성하는 시각적, 재료적 요소에서도 발리 문화의 깊은 연관성을 드러냅니다. 예술학 교수 프란츠-요아킴 버스폴(Franz-Joachim Verspohl)은 각각의 조각에서 강하게 드러나는 회화적 선이 대나무의 특성에서 비롯 되었음을 주목 합니다.¹⁾  스텔라에게 대나무는 발리의 삶과 문화를 상징하는 요소로, <발리 시리즈>에서 이것을 직접 사용하기 시작하였으며 구부리기 용이한 특성을 통해 조각적 추상성을 드러냈습니다. 이후 대나무의 관의 형태는 스테인레스나 알루미늄 튜빙을 통해 표현 되었으며, 이로써 작품을 구성하는 선의 요소는 더욱 부각되었습니다.

 

  〈ngereka〉(2006) 이나 〈oekoen〉(2006)에서 볼 수 있듯, 다양한 길이와 두께의 스테인레스 스틸 튜빙은 사각형의 프레임 사이를 부드럽게, 때로는 과감하게 관통하며 3차원적 형상을 구축합니다. 벽면에 매달린 채 공간을 아우르는 스테인레스 스틸 튜빙의 자유로운 움직임은 3차원으로 되살아난 드로잉 같으면서도, 작품 속에 자리잡은 색색의 추상적 조각은 페인팅의 일부분과도 같습니다. “조각은 공간 속에 있는 회화이자, 공간에서 반응을 한다” 라고 설명하듯, 스텔라의 조각은 회화적 요소는 물론 건축적 요소를 포괄합니다. 초기 조각작업들이 “2차원보다는 더, 그러나 완전히 3차원은 아닌”²⁾ 것처럼, 벽면으로부터 외부 공간의 3차원으로 확장된 〈발리 시리즈〉 역시 이러한 작가의 예술적 접근을 반영함으로써, 회화와 조각, 그리고 건축적 요소가 작업 속에 공존하고 있음을 증명하고 있습니다.

 

  〈스카를라티 소나타 커크패트릭〉시리즈 (또는 “스카를라티 소나타 K.” 시리즈) 에서는 위와 같은 작가만의 조각적 특징이 더욱 빛을 드러냅니다. 이 시리즈는 ‘근대 피아노 주법의 아버지’라 불리는 이태리 작곡가 도메니코 스카를라티(Domenico Scarlatti, 1685-1571)와 미국을 대표하는 음악학 연구가이자, 12년 동안 스카를라티 소나타시리즈 555 장을 정리한 랄프 커크패트릭(Ralph Kirkpatrick, 1911-1984)를 참조한 것입니다. 스카를라티가 아름다운 리듬을 이끌며 피아노 건반을 따라 전개한 청각의 세계는 스텔라의 영감으로 원천이 됩니다. 깔끔하면서도 화려한 피아노 선율을 자랑하는 소나타 순서는 “K+숫자”로 구성되어 있는데, 스텔라의 작품 제목 역시 스카를라티의 소나타를 따라 “K.401”, “K.337” 등으로 이루어져 있습니다.

 

  〈스카를라티 소나타 K.〉 작업에서 중요한 것은, 음악적 교류를 물리적으로 시각화한 스텔라의 예술적 접근이라고 볼 수 있습니다. 예술가로서의 긴 여정의 중심에 있는 작가의 ‘추상성’과 함께 밝은 색채와 움직임의 변주가 증폭된 결정체 입니다. 특히 3D-프린트 기법으로 제작됨으로써, 고도의 기술에서 나타나는 정교함과 함께 자유롭게 휘어지며 유기적으로 연결된 스틸 튜빙은 이전의 거대하고 무거운 조각 작업들과는 달리 피아노 선율에서 느껴지는 가벼움, 속도감, 율동성을 드러냅니다. 이들은 〈발리 시리즈〉와 마찬가지로 벽면에서 부유하지만, 외부 공간과 온전한 관계를 맺고 있습니다. 이 속에서 관람객은 서로 다른 각도에서 드러나는 각각의 형상과 화려한 색채로 구성된 시각적 다양성에 이끌려 끊임없이 움직이며 작품을 바라보게 됩니다. 스텔라는 “만약 당신이 이것의[작품] 가장자리를 따라 움직이고 이것을 빠르게 수행할 수 있다며, 당신이 음악을 통해 얻는 리듬과 움직임의 감각을 얻은 것 이다” 라고 설명한바 있습니다. 이처럼 스텔라의 〈스카를라티 소나타 K.〉시리즈의 각 작업은 악장/악보를 보는 듯 여유로우면서도 생동하는 호흡을 고스란히 전달하고자 하며, 관람자와 함께 공유할 수 있기를 기대합니다.

 

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1) Franz-Joachim Verspohl, “In memory of Robert Rosenblum”

2) Ibid. in Frank Stella, Frank Stella 1970–1987, The Museum of Modern Art, New York, 1987, p. 77.

About Artist

프랭크 스텔라는 1936년 미국 매사추세츠 말든(Malden)에서 태어났습니다. 필립스 아카데미(Phillips Academy) 고등학교 졸업 후, 프린스턴 대학(Princeton University)에서 회화와 역사를 전공하였습니다. 뉴욕으로 갤러리 탐방을 온 스텔라는 작가로서 큰 영감을 받게 되며 1958년 뉴욕으로 이사를 오게 됩니다. 1960년 뉴욕 레오 카스텔리 갤러리(Leo Castelli Gallery)에서 처음으로 개인전을 열었으며, 이후 미국뿐만 아니라 전세계를 거쳐 소개되었습니다. 특히 대학 졸업과 동시에 오벌린 대학(Oberlin College) 알렌 메모리얼 미술관(Allen Memorial art Museum)에서 열린 “Three Young American” (1959)전시를 포함하여, 뉴욕 현대미술관(MoMA)에서 열린 “Sixteen Americans”(1959-60), 휘트니미술관 “Geometric Abstraction” (1962), 솔로몬 구겐하임미술관 “The Shaped Canvas”(1964-65) 등 주요 미술관 전시에 초대받았으며, 1970년에는 MoMA에서 33살의 젊은 나이에 최연소로 회고전을 열며 일찌감치 작가의 예술적 영향력을 인정받았습니다. 최근 뉴욕 첼시에 새롭게 개장한 휘트니 미술관은 개관 첫 기획전시로 프랭크 스텔라의 회고전 “Frank Stella: A Retrospective”를 선보이고 있습니다. 미술관 전 4층은 스텔라의 주요 작품뿐만 아니라 외부적으로 드물게 공개 되었던 작품들을 총 망라하는 자리로, 미국 미술을 대표하는 작가의 업적을 다시금 되돌아 보는 주요전시가 될 것입니다.

리안갤러리