Leeahn gallery Daegu is excited to present Color of the Times, a group exhibition curated by Hoojung Lee featuring Annan Affotey, Reginald Armstrong, Cornelius Annor, Serge Attukwei Clottey, Chaz Guest, Monica Ikegwu, Demarco Mosby, Collins Obijiaku, Zéh Palito, Umar Rashid and Lyndon J. Barrois, Sr.
Color of the Times presents an in-depth understanding of the art as a connective force and vehicle for Black empowerment while introducing a contemporary generation of African Diaspora. These artists create visual metaphors that reflect their own self-image, their existence in society, or perceptions of others through their visionary practice. The artists’ engagement with colors and methods in figuration and portraitures presented in this exhibition convey not only artistic expression and introspection, but also invites us to interrogate one’s own identity. Furthermore, it opens a conversation about various perspectives of global African-diasporic and black identity which is relevant today. The word, “color” has versatile meanings including moods, emotions, behaviors and race. While an individual’s response to color can stem from personal experience, the science of color along with color psychology gives the subject a wide spectrum. Works in the show range from figurative portraitures to abstraction, each artist’s aesthetic endeavors foster their unique mark-makings, mediums and methods to disseminate congruent messages, “The Black Voice”. Black is bold, powerful, versatile and infinite. It is essentially a color that blends well with any other colors. The subjects of diaspora and segregation challenge this notion.
Color of the Times introduces over twenty of newly created works by 11 black artists in high demand including painting, sculpture, video and installation. Each of the artists is a storyteller and cultural observer who shares their own unique life experiences and passion for the lives of other African-diasporic people through deep listening and keen observation. 
Annan Affotey, Collins Obijiaku, Monica Ikegwu, Zéh Palito and Serge Attukwei Clottey investigate black identity by rendering the portraitures of people of color with vibrant dark skin on paper or canvas. These artists often paint people around them, including friends, family, or take inspiration from random strangers as well. The methods of portraying their models including their skin tone, color, texture, facial expression, body gestures set the mood and suggest not only their emotions and characters underneath, but also the diverse narratives of their home and the society around them. 
Annan Affotey (b. 1985, Ghanaian) depicts his figures with luminous blue revealed underneath black skin with red eyes, which symbolizes misinterpreted identities, in negative space. Collins Obijiaku (b. 1995, Nigerian) renders his Black subject’s soft gaze directly at the viewers as pulling the viewer inward. Objiaku incorporates oil, acrylic, and charcoal to achieve alluring colinear black lines on the dark brown skin, soft inclines and texture within his composition. Monica Ikegwu (b. 1998, American) explores on depicting the perception of individual people with their own sense of self in their appearance. She depicts her Black sitters, who direct their own poses in extremely realistic, almost photographic quality. Zéh Palito’s (b. 1991, Brazilian) creative practice quests to celebrate a relationship between humans and natural environment with a corelative respect and gratification. In addition, his highly saturated vibrant colors and whimsical narratives transcend the primary element of his practice by inspiring marginalized communities and poorly represented voices.
Serge Attukwei Clottey (b. 1985, Ghanaian) is well known for employing repurposed plastic Kufuor gallons as a medium in his work, which is conceived as his concept, “Afrogallonism”. Examining the influences of colonization in Africa, Clottey perceives the commonly found plastic, oil bearing jerrycans as its byproducts and explores the issues of water scarcity, migration, global warming, and other environmental concerns. Clottey recently gave birth to the “duct-painting portraits” series of which is a natural development of his sculptural installations with plastics. His profound interest and observation of fashion, African photography, gender, and sexuality in African historical viewpoints have contributed the formation of identity. Clottey utilizes duct tape, acrylic, oil, charcoal on cork boards as the base. His Black figures in the center are rendered with charcoal as showing the raw texture of cork board surface, and/or often collaged with vividly colorful patterns on their clothes. The negative space around his model(s) is commonly painted with monochromatic color and/or amalgamated with flattering patterns of wallpaper in minimalistic composition to achieve his ideas of image making and identify construction. 
Reginald Armstrong (b. 1984, American) is a Los Angeles-based artist who was born in West Berlin of Panama and raised in El Paso, Texas along the US-Mexico border. Armstrong investigates activities of his family, cultural community life and familiar scenes of quotidian routine existence. His recent works extend a reflection on his nostalgic childhood memory, relationships, and solitude. His oeuvres are painterly depicted with a vibrant palette and a timeless view point. Cornelius Honor (born 1990) also aims to develop his work around the reconstruction of our shared memories. Departing from photos taken by his ancestors, Honor recreates some of the most memorable moments of his life.  His paintings can be viewed as fictional historical writings, merging elements from archives of family and friends of the past and present.  Another important factor is the separation of depth and perspective within the painting through the use of fabric transfer and textile and photo collages.  Honor seeks to present this past history through his work as a way to transport his audience to a specific moment in time and create a memory room where they can reflect themselves.
Chaz Guest (b. 1961, American) strives activism as the artist’s impetus in his work. In the partially fictionalized narratives, Guest implies figurative abstraction in his integrated works on the disguised and misrepresented African American culture, colonialism and historiography. By channeling their lives in the African diasporic emplacement of the time, Guest luminates the subjects’ vibrant spirits in the intimate quietude. His calligraphic brush strokes connect them with his creative force as the catalyst of his art, which are often improvisational and painstakingly executed. Furthermore, Guest transcends his poignant metaphor, “humanity”, by re-contextualizing the historical cannon, and portrays his subjects to emanate their pride despite the forces of oppression.
Demarco Mosby (b. 1991, American) observes the complex adversity of life and portrays the accumulated emotional scars, afflictions and the ramifications of life’s sequences on human nature, as individuals, collectively and as a society.  His narratives, which may seem disruptive in a contemporary sense of morality, are juxtaposed with classic tales of heroism and disaster.
Umar Rashid (b. 1976, American) is a multidisciplinary artist who applies writing, illustration, painting, and sculpture that are referenced from notable cultural and historical resources such as cosmological diagrams, historical maps and hieroglyphs. The trajectory of Rashid’s work journeys back into colonial times and challenge history written by the victors while telling a new narrative expressing how events could have turned out. By championing untold stories, his works provide delineative paradox and challenge the viewer to question and contemplate the convoluted emotions. Rashid is based in Los Angeles and he is scheduled to have a solo exhibition at MoMa PS1, New York, in September of 2022.
Lyndon J. Barrois, Sr. (b. 1964, American) is an original innovator of art and animation using discarded gum wrappers since his age of 11. His socially and culturally driven sculptures and their deeply rooted stories that bring to life thousands of miniature figures (less than 1”) created meticulously by hand and then assembled to stop motion animation. “Seoul Sistas” (2022), created especially for this exhibition, is a Sportrait homage to Olympic champions Jackie Joyner Kersee’s and Florence Griffith Joyner’s triumphant gold medal wins in the Summer Games of 1988 in Seoul. It’s set on a landscape of 5 gold records, depicting the 5 gold medals they collectively won, in the shape of the 5 Olympic Rings. Miniature Sportraits of the women dash across the albums in a myriad of track and field events from sprints and hurdles.
Color of the Times brings together an exhilarating group of contemporary black artists’ artworks in-demand from Africa, Brazil, and America. This intimate survey exhibition gives a voice to generations of the voiceless. It is extremely meaningful to present this diverse exhibition with a strikingly powerful presentation in the historical city of Daegu, South Korea. This exhibition reminds us to trust our inner voices and to celebrate humanity, fortitude, and identity. Lastly, this will enable us to embrace each other with compassion and appreciation. 
Hoojung Lee, Curator

 

 

리안갤러리 대구는 다양한 국가에서 활발히 활동하고 있는 11명의 흑인 작가 아난 아포티, 콜린스 오비지아쿠, 코넬리우스 아너, 체즈 게스트, 드마르코 모스비, 린든 제이 바로이스, 모니카 이케구, 레지날드 암스트롱, 서지 아투크웨이 클로티, 우마 라시드, 제 팔리토의 그룹전 ‘Color of the Times’ 을 개최한다.  

이후정 독립 큐레이터의 기획으로 진행된 이번 전시는 회화, 조각, 비디오 및 설치 작업을 포함한 신작 20여 점을 소개한다. 작가들은 예리한 관찰을 통해 아프리카 디아스포라 삶을 엮어내는데, 자신의 고유한 경험과 열정을 바탕으로 문화 관찰자이자 주체적인 스토리텔러로 작업한 결과물을 선보인다. 

이번 전시에 소개될 작품들은 각자의 예술적 표현과 자아성찰을 전달한다. 특히 작품에 활용된 ‘색상’은 기분, 감정, 행동 및 인종을 포함한 다양한 의미를 담고 있는데 개인적 경험에서 비롯하여 색상 심리학을 기반으로 한 색의 과학을 통해 보다 폭넓은 스펙트럼을 제공한다. 전시작은 인물화부터 추상화에 이르기까지 다양하며 매체와 작업 방식 등은 다르지만 아프리카 디아스포라와 인종차별 등에 대한 주제를 통해 현시대의 권리를 위한 수단으로서의 예술을 조망한다는 점은 동일하다.  

아난 아포티, 콜린스 오비지아쿠, 모니카 이케구, 서지 아투크웨이 클로티, 제 팔리토는 종이나 캔버스에 생동감이 넘치는 초상화를 묘사하여 그들의 정체성을 드러낸다. 이 작가들은 종종 친구, 가족을 포함한 주변 사람들을 그리거나 우연히 만난 낯선 사람들로부터 영감을 얻는다. 그들의 피부 톤, 색상, 질감, 표정, 제스처 등의 묘사를 통해 드러난 감정과 성격 등이 담긴 작품은 그들의 가정과 주변 사회의 다양한 이야기를 알려주는 듯하여 흥미롭다.  

아난 아포티(Annan Affotey, b. 1985, 가나)의 작품은 붉은빛의 눈과 푸른빛을 띠는 피부 묘사가 특징적인데 이는 이해되지 못한 정체성을 드러내는 작가의 작업 방식이다. 

콜린스 오비지아쿠(Collins Obijiaku, b. 1995, 나이지리아)는 관람객의 내면으로 들어가는 듯한 인물의 부드러운 시선을 표현한다. 작가는 오일, 아크릴 및 숯을 혼합하여 짙은 피부색을 표현하며 부드러운 질감을 드러내는 특유의 무늬로 피부 표면을 구현한다.  

모니카 이케구(Monica Ikegwu, b. 1998, 미국)는 사진에 가까운 극사실 묘사를 바탕으로 고유의 동작을 취한 흑인 인물화를 재현하는데 대상의 인식까지 표현해내는 것이 특징이다.  

제 팔리토(Zéh Palito, b. 1991, 브라질)는 인간과 자연환경 사이의 관계를 창조적으로 구현하기 위해 탐구하고 노력하는 작가이다. 작품에 드러나는 생동감 있는 색상과 흥미로운 내러티브는 소외된 집단의 목소리를 드러내는 듯하다.  

전시장 2층에 단독으로 구성된 서지 아투크웨이 클로티(Serge Attukwei Clottey, b. 1985, 가나)는 최근 주목 받는 작가로 플라스틱 갤런을 이용하여 자신이 창안한 "Afrogallonism"개념을 담아 설치 작업을 진행한다. 작게 잘라낸 노란색 플라스틱 갤런을 작은 철사로 엮은 작업을 통해 물 부족, 이주, 지구 온난화 등 기타 환경 문제에 대한 관심 및 현대 아프리카 가나 삶의 단면을 자연스럽게 드러낸다. 이번 전시에서는 클로티의 플라스틱 설치 작업과 더불어 최근 진행하고 있는 "덕 테이프 초상화" 시리즈도 선보인다. 패션, 아프리카의 풍경, 성별 등 다양한 관점에서 표현된 회화 작업은 코르크 보드에 유화물감, 목탄을 기본으로 다채로운 패턴이 프린트된 덕 테이프의 콜라주 작업이 주를 이룬다.  

레지날드 암스트롱(Reginald Armstrong, b. 1984, 미국)은 로스앤젤레스를 기반으로 활동하며 가족, 문화로 엮인 공동체 및 일상생활의 친숙한 장면을 그려낸다. 그의 최근 작업은 생동감 있는 색채로 어린 시절의 기억에 대한 향수, 관계 및 고독 등을 반영하여 시대를 초월한 관점을 묘사한다.  

코넬리우스 아너(Cornelius Annor, b. 1990, 가나)는 기억의 재구성을 주제로 선조들이 찍은 사진에서 영감을 받아 작가 인생에서 가장 기억에 남는 순간을 재현한다. 그의 작품은 과거, 현재의 가족 및 친구들이 기록한 요소를 조합하여 가상의 역사를 만들어낸다. 또한 직물 및 사진 콜라주의 사용을 통해 화면에 깊이를 더한 작품을 제시한다. 

체즈 게스트 (Chaz Guest, b. 1961, 미국) 작업의 원동력은 행동주의에서 비롯된다. 일부 허구화된 이야기 구성을 바탕으로 작가는 왜곡된 아프리카계 미국인 문화, 식민주의, 역사에 대한 은유를 화면에 담아낸다. 게스트는 당시 아프리카 디아스포라 거주지에서 삶을 영위한 영혼들을 그의 작업을 통해 재 맥락화함으로써 인권에 대한 신랄한 주제 의식을 드러낸다. 

드마르코 모스비(Demarco Mosby, b. 1991, 미국)는 삶의 복잡한 역경을 관찰하고 상처와 고통 및 사회 속의 개인으로써 겪는 진통을 담아낸다. 언뜻 파괴적인 것처럼 보일 수 있는 그의 작업은 영웅주의와 재앙에 대한 고전적인 이야기가 함께 표현된다.  

우마 라시드(Umar Rashid, b. 1976, 미국)는 우주론, 역사, 지도 및 상형 문자와 같은 요소들을 활용하여 글쓰기, 일러스트레이션, 회화 및 조각 등 다양한 매체로 표현하는 예술가이다. 작가가 재창조한 역사의 내러티브를 융합해 식민지 시대의 승자가 써 내려간 역사를 새로운 관점으로 들려준다. 로스앤젤레스에 거주하고 있는 작가는 다가오는 9월에 뉴욕 MoMa PS1에서 개인전을 준비 중이다. 

린든 제이 바로이스(Lyndon J. Barrois, Sr., b. 1964, 미국)는 11세부터 버려진 껌 포장지를 활용하여 조각품과 애니메이션을 제작하는 독창적인 예술가이다. 그는 3 센티미터 미만의 수천 개의 미니어처 인물상들을 손으로 세심하게 조립하여 스톱 모션 애니메이션에 생명을 불어넣는다. 특히 이번 리안갤러리 전시를 위해 특별히 제작된 작품 '서울 시스타스' (2022)는 올림픽 챔피언 재키 조이너 커시와 플로렌스 그리피스 조이너가 참여한 1988년 서울 하계 올림픽에 대한 오마주다. 이 작품은 5개의 금메달 기록을 가로로 길게 놓아 그들이 공동으로 획득한 5개의 금메달을 올림픽 반지의 모양으로 묘사하고 있다. 

리안갤러리 대구에서 개최되는 ‘Color of the Times’ 는 아프리카, 브라질, 미국 등지에서 활동하고 있는 주목 받는 현대 흑인 예술가들의 작품을 한자리에 모은 것에 큰 의미가 있으며 차별과 불평등으로 목소리를 낼 수 없었던 세대의 울림을 대변한 현시대 작가들의 외침과도 같다.